El BLOG de Beatrice Venezi – «No hay nada más aterrador que la ignorancia en acción» Así lo dijo Goethe en uno de sus famosos aforismos.
El tema de la cultura como factor fundamental de un pueblo me apasiona y me involucra personalmente. Es un tema que, en mi profesión, vivo con mucha frecuencia, sobre todo cuando estoy en el extranjero y percibo aún más claramente mi identidad italiana y capto las muestras de aprecio hacia nuestra conocimientos técnicos identidad cultural italiana.
Conocimientos técnicos que surge de ese proceso formativo basado en el aprendizaje de nuestros conocimientos, nuestra espiritualidad, nuestros comportamientos y los sistemas de valores que nos caracterizan y que nos permiten adquirir la personalidad y la conciencia que nos corresponden dentro de la sociedad.
La cultura sirve para adquirir y preservar el espíritu crítico, para no ceder al conformismo en las actitudes y el pensamiento. Este es tal vez el patrimonio más valioso de nuestra especie, una verdadera riqueza entendida en el sentido más amplio del término, porque si rebajamos el nivel de la cultura o dejamos de hacerla accesible, los pueblos se reducen inevitable y meramente a su propio y esencial fenómeno biológico. La sociedad de masas, de hecho, no quiere cultura, sino simple entretenimiento, porque pensar requiere tiempo y esfuerzo; por lo tanto, es mejor refugiarse en una homologación tranquilizadora.
Este es el peligro al que debemos enfrentarnos y, hoy más que nunca, es necesario defender la identidad y la cultura de nuestra nación para que podamos tener la certeza de su futuro. Es más necesario que nunca darla a conocer y protegerla con determinación, porque sin identidad cultural no hay identidad nacional, ni pueblo.
Sí, porque dentro del concepto de cultura también está el de identidad, que es la capacidad de expresarse como personas y como comunidad, como proyecto e imaginario, como memoria del pasado y proyecciones hacia el futuro, y mil cosas más.
La cultura identifica a un pueblo, define sus rasgos y, a su vez, es moldeada y configurada activamente por su comunidad; revela las diferencias dinámicas entre un pueblo y otro, constituye ese binomio inseparable de cultura e identidad, punto de referencia, fuente de inspiración y sentido de pertenencia de un pueblo que se reconoce y se identifica con esas características. No hay cultura que no se materialice en una identidad, ni identidad que no esté marcada por procesos culturales. La identidad cultural es un factor determinante para la conservación de la memoria de un pueblo y la permanencia de sus tradiciones y valores, porque es una necesidad de las personas sentirse dueñas de sus rasgos identitarios.
La manifestación psicosocial de la afirmación de la identidad de un pueblo es un hecho inevitable y, por lo tanto, no tiene sentido criticarla o incluso negarla, como ocurre hoy en día con los diversos y repetidos intentos de socavarla por parte de la llamada cultura de la cancelación.
Una idea dominante que rechaza cualquier referencia a una cultura identitaria y nacional, y es precisamente por eso que hoy me gustaría abstraerme por un momento de la contingencia, del presente, y retroceder en el tiempo, a la segunda mitad del siglo XIX, para hablarles de los experimentos de las escuelas nacionales.
Durante el siglo XIX, la música se convirtió en una parte importante de la búsqueda de la identidad nacional que caracterizó la vida política y social en muchos países europeos, llegando incluso a ser parte activa del proceso de formación y consolidación de los Estados nacionales. La búsqueda musical avanzó a través del diálogo con la tradición y el folclore, y se tradujo en un compromiso educativo e institucional destinado a preservar y potenciar las escuelas de música nacionales. En algunos países, como Gran Bretaña, surgió un impulso para crear experiencias musicales autónomas y dar vida a una organización educativa y concertística capaz de formar a sus propios compositores. En otros países, en cambio, la construcción de una vida musical autónoma se combinó con la búsqueda de una identidad nacional, arraigándose en el folclore local y adquiriendo una fisonomía nacional bien definida.
La música nacional del siglo XIX se diferenció de las formas musicales históricamente predominantes y propuso corrientes de pensamiento y compositivas que sin duda influyeron en muchas decisiones estéticas del siglo XX.
En particular, en los países de Europa del Este, en los escandinavos e ibéricos, así como en Rusia —que permanecieron al margen de la historia europea, musicalmente dominada por Italia, Austria, Alemania y Francia—, la formación de una burguesía intelectual, impulsada por un fuerte antagonismo social y político, favoreció el crecimiento de escuelas musicales nacionales basadas en el canto popular y en la asimilación del material folclórico.
La etnomusicología también desempeñó un papel importante, ya que permitió recopilar y conservar las tradiciones musicales locales.
Pero hablemos de Italia.
La generación de los años 80 en Italia, representada precisamente por compositores nacidos alrededor de 1880, como Ottorino Respighi, Ildebrando Pizzetti, Francesco Malipiero y Alfredo Casella, representó una continuación de este movimiento, buscando redescubrir y valorizar la música antigua y el patrimonio cultural italiano; es más, se propuso refundar la música culta italiana sobre una base completamente diferente.
Mientras que en esos mismos años, en el extranjero, la escena musical contaba con compositores como Stravinski, Schönberg y Bartók, en Italia las reflexiones sobre la estética musical eran prácticamente nulas. Los compositores de la Generación de los ochenta Junto con musicólogos como Giannotto Bastianelli y Fausto Torrefranca, consideran que la ópera, único género de éxito en Italia, es incapaz de «revestirse de una intelectualidad digna», mientras que la producción de música instrumental queda totalmente en segundo plano. La ópera italiana se convierte en su blanco principal y ven en ella la causa principal de la crisis musical italiana y su atraso respecto a otros países.
El ‘modelo mediterráneo’, es decir, los nobles orígenes de la música italiana, se identifican, por lo tanto, en el repertorio instrumental y polifónico de los siglos XVI y XVII, anterior a las glorias del melodrama, pero también en el canto popular y en el canto gregoriano de la liturgia. Los representantes de la Generación del Ochenta, conscientes de su espíritu italiano, serán los primeros en Italia en enfrentarse a los nuevos lenguajes musicales europeos, actualizándose y componiendo así música moderna y consciente de su época. El renacimiento musical italiano del siglo XX debe, por lo tanto, su «fuerza y originalidad al equilibrio armonioso alcanzado poco a poco por estas dos fuerzas aparentemente divergentes, pero que en realidad conspiran hacia un mismo fin», como escribe Massimo Mila: la apertura a lo nuevo, procedente de otros países europeos, y la mirada al pasado italiano.
En este contexto, el compositor de mayor éxito es, sin duda, Ottorino Respighi. Su estilo se distingue por la incorporación de cantos y melodías populares en sus composiciones, material popular que se ennoblece gracias a una brillante orquestación, como ocurre, por ejemplo, en El tríptico de Botticelli, en cuyo segundo movimiento incluye la melodía de Tú vienes de las estrellas.
Su obra más conocida y significativa es la Trilogía romana, una verdadera celebración de la romanidad, un homenaje y, ¿por qué no?, un acto de amor hacia la ciudad de Roma y su historia milenaria.
Fuentes de Roma Fue la primera suite de la trilogía, compuesta en 1916; representa cuatro fuentes de la ciudad en diferentes momentos del día: la fuente de Valle Giulia al amanecer, la fuente de Tritón por la mañana, la fuente de Trevi al mediodía y la fuente de Villa Medici al atardecer.
La segunda suite es Pinos de Roma escrita en 1924
El primer movimiento, Los pinos de Villa Borghese, describe a unos niños ruidosos que juegan a los soldados y marchan por el pinar de la Villa Borghese. El segundo movimiento se titula Pinos junto a una catacumba mientras que el tercer movimiento, un nocturno, Los pinos del Gianicolo, está ambientada de noche, en un templo dedicado al dios Jano. Aquí, Respighi, por primera vez en la historia de la música, incluye en la partitura la grabación realizada en un fonógrafo, el Brunswick Panatrope , con el canto de un ruiseñor. El último movimiento, Los pinos de la Vía Apia, representa los pinos a lo largo de la antigua vía consular romana: en un amanecer brumoso, una legión avanza por la Vía Apia bajo el resplandor del sol recién salido. Respighi quería que se sintiera cómo temblaba la tierra bajo los pasos de su ejército y, por eso, decidió utilizar los registros más graves del órgano para este fin. La obra requiere el uso de las buccine, antiguas trompetas romanas. La obra concluye con un triunfo de las trompetas de las legiones en el Capitolio.
La tercera y última Fiestas Romanas, compuesta en 1928, representa cuatro fiestas diferentes de la ciudad de Roma:
El primer movimiento, Circenses, evoca los espectáculos sangrientos de la Roma imperial; los instrumentos de cuerda y de viento sugieren el canto suave de los mártires cristianos condenados a morir en la arena del Circo Máximo. El movimiento concluye con violentos acordes orquestales, acompañados del pedal de órgano, para representar la muerte de los mártires, masacrados por feroces bestias.
El siguiente movimiento representa el Jubileo: la llegada de los peregrinos a Roma queda plasmada en la impresionante vista panorámica desde Monte Mario, con el sonido de las campanas de fondo. El tercer movimiento retrata la fiesta de la Ottobrata en los campos cercanos a Roma, y finalmente, el movimiento final describe la celebración de la Befana en la Plaza Navona. .
En esencia, Respighi se inspira plenamente en la tradición romana y la filtra a través de un lenguaje musical extremadamente moderno y audaz; utiliza el pasado como puente hacia el futuro, para definir un nuevo imaginario musical y actualizar la identidad musical italiana. Y lo que hace un siglo y medio se vivió como una necesidad apremiante, en mi opinión, aún hoy mantiene vivo su fuego sagrado. Es un ejemplo, una fuente de inspiración.
Todos estos ejemplos que han determinado nuestra identidad deben ser asimilados en nuestro proceso de evolución como nación, implementados también a través de las nuevas tecnologías e integrados. La identidad cultural cambia con el paso del tiempo. Nuestra sociedad, que en otro tiempo fue humanista, ahora es principalmente científica y tecnológica, en constante evolución, y aunque ciertamente no podemos controlar esta evolución, sí podemos orientarla. Debemos darle un rumbo si queremos evitar quedarnos estancados de manera bidimensional en los esquemas impuestos por la globalización, que destruyen toda creatividad y singularidad. Esto solo es posible a través de un conocimiento profundo de nuestras raíces y una buena dosis de audacia.
Y así es como «El valor, la audacia y la rebelión serán elementos esenciales de nuestra poesía».
Beatrice Venezi